De 10 bedste filmoptrædener af Jodie Foster


Jodie Foster: To gange Oscar-vindende skuespiller. Langsigtet superstjerne. Queer-ikon. Husky of voice, tom of boy og sej som negle - men i stand til at bringe en enorm sårbarhed med det. Hun har spillet kløgtige børn, ispiske mødre og et helt katalog over kvinder skubbet til deres grænser. Men der er en gennemgående linje en kilometer bred: disse er alle til en række stærke og uafhængige kvinder. Bortset fra, det vil sige når de er stærke, uafhængige piger.


Så hvorfor er det så ofte frustrerende, når hun står over for en undersøgelse af hendes karriere? Glansglans hærdet af den underlige bortfald i dommen, nysgerrige mis-trin og fejlbehæftede, næsten-store-faktisk-lidt-lort-film, der hjemsøger hendes CV. På en eller anden måde stemmer det ikke helt overens med hendes ekstraordinære omdømme: prisvinder, superstjerne, ikon.

Men det behøver ikke at være sådan. Ser du, Jodie Fosters uforudsigelige karriere er resultatet af en skuespiller, der styrer et kursus, der er grundigt, resolut hendes egen. Foster er en af ​​de få skuespillere i Hollywood, der er fuldstændig ansvarlige for deres egen skæbne. Desto mere imponerende når man overvejer, hvor fjendtligt et miljø Hollywood er over for stjerner som hende. Nu giver de hende Lifetime Achievement-priser, og hun giver os stikkende taler, og alle er glade og ingen er glade.



Jodie Foster er ligesom sin karriere svært at gætte, men det er det, der gør hende fantastisk. Og jeg ved, hvad du tænker, hele det Bæveren ting. Foster har bestemt af alle mennesker tjent retten til at gøre hvad helvede hun vil nu. Og ved du hvad? Held og lykke til hende. Hun er Jodie Foster. SÅ LANGE SUGERE!


Nu er her hendes bedste bidder.

10. I

Åh, det er underligt. Produceret af Foster, fortæller den historien om en ung kvinde, der er opvokset alene i en hytte af en afasiøs mor, de eneste tråde, der forbinder hende med det såkaldte civiliserede samfund, tilsyneladende er en hulking stor bibel, som hun ikke kan læse, og et par personlige påvirker.

Foster bruger den første handling på at tale på en slags ur-sprog og opbygge en rapport med venlig læge Liam Neeson og den ambitiøse forsker Natasha Richardson. Så kommer invasionen af ​​det virkelige liv, du ved, at det 'civiliserede' samfund - faktisk en flok rødhals og vagt ondskabsfulde medicinske fagfolk og tingene tager en forudsigelig vending til det værre.


Det hele skal være en absolut cringefest, ikke mindst fordi det faktisk har en scene, hvor Nell rejser sig i en retssal og leverer nogle slørede SANDHEDSBOMMER om, hvem de rigtige ikke-civiliserede mennesker er her (anelse: ikke hende). I stedet gemmes filmen ved Fosters valg om at ringe tilbage til hendes fysiske ydeevne - tænk mere skrøbelig end vildtlevende - og tillade Nells enkle menneskehed masser af plads til at trække vejret.

9. Den Modige

Efter et brutalt angreb i Central Park efterlader Jodie Fosters radiovært Erica Bain i koma og hendes forlovede er død, fortsætter Bain med hævn. . . ved at gå til politistationen og kigge ind på sagen. Indtil videre ikke-årvågen. Men ved du hvad der skubber Bain over kanten? Bureaukrati! Politiets bureaukrati! Træt af at sidde i et venteværelse, hvor en politibetjent kan vise sig, beslutter hun at tage sagen i egne hænder og køber en pistol af en skyggefuld fyr i Chinatown. Ja! Fuck bureaukrati!

Ting er, hun er temmelig trigger glad og tager snart ud NYC's afskum. Også fordi hun har en tilsyneladende eksperimentel slot på radioen, er hun i stand til at trække byen ind i historien; går rundt sent om aftenen med en mikrofon og opfanger den stadige brummen af ​​urolig utilpashed. Det er ligesom Taxachauffør hvis Travis Bickle havde en feltoptager og et show på Resonance FM. Hvordan er det med karriereudvikling?


Virkelig er det dog, at dette er Jodie Foster, der har en pop på den slags hårdkogte årvågen film, terræn, der normalt er indrammet for grizzled hårde fyre. Når hun paraderer sin hærdede, bestemte, uafhængige stemning i et fuldt blæst (anti) helteområde, bærer hun filmen og manuskriptets alvorlige mangler til en behagelig, hvis ujævn tur.

8. Kontakt

Robert Zemeckis sci-fi-film fra 1997 har nogle alvorligt høje forhåbninger; celluloidækvivalenten til et langt, meningsfuldt blik på himlen og, ligesom himlen, Kontakt er mangesidet, dyb og til tider tilsyneladende uendelig.

Når man klokken to og en halv time fortæller den historien om Dr. Ellie Arroway, en videnskabsmand, der har dedikeret sit liv til at søge efter transmissioner fra det udenjordiske liv. Med hendes SETI-facilitet, der står over for trussel om lukning fra regeringen, modtager de et signal - og det virker legitimt (Hitler-video til side, det fik du ikke med WOW-signalet). Filmen fortsætter med at udforske Guds temaer, der er repræsenteret af Matthew McConaughey's religiøse filosof, der blev åndelig celeb og politiker (James Woods spiller en skyggefuld NSA-fyr) og naturligvis videnskab. Masser af videnskab.


Giv eller tag nu kærlighedsinteressen, filmen gør faktisk en god knytnæve for at udforske så komplekse problemer. Fjern dog Fosters centrale ydeevne, og sagen ville være i nul tyngdekraft. Det er trods alt hendes karakterhistorie, der formodes at repræsentere den menneskelige ånds universelle nysgerrighed. Ofte rækning mod den store, dårlige regeringsmager, hendes karakter er så drevet af noget, der måske eller måske ikke eksisterer, at hun grænser op til usympatisk.

I sidste ende fastholder hun dog et vidunderligt vidunder, der forbinder hende tilbage til det barn, vi møder i starten af ​​filmen. Finder hun det, hun leder efter? Hvem ved, men hun finder sig selv, og efter en bums bedøvende to og en halv time er det det bedste, du kan håbe på.

Se også: ser tilbage på Kontakt .

7. Carny

Da Jodie Fosters rastløse teenager Donna smider sin våde kæreste og hendes blindgyde-servitrice-koncert for at løbe væk til det store amerikanske karneval, jagter hun den frihed, som den karne livsstil indebærer. Hun ender med voldtægtsudpressere, et slag op i en spisestue og noget halt bromance bagage.

Faktisk, mens filmen beskæftiger sig med en vis tvivlsom dynamik - Fosters teenager alvorligt kramper forholdet mellem Gary Buseys klovn og Robbie Robertsons rugende huckster - viser det Fosters evne til at tage en todimensional karakter og genindspille den i kød, blod og moxie. En utvivlsomt mere ambitiøs film end Ræve , teenagedramaet, som Foster også lavede i 1980, ser begge film, at Foster tapper sig ind i en følelse af særlig fremmedgørelse med teenager. Her har hun dog lov til at holde centrum.

I en scene fremkalder Donna et slagsmål med en flok lastbilchauffører, hvilket er til de andres dødsfald. Hendes sjove grin og Lolita-lignende tillid flasker en særlig teenagealder blodig tankegang, iført hendes nyfundne carny status som ethvert andet mærke af oprør. I en senere plotudvikling, når hun slutter sig til cirkusens strippertruppe, sammenkæmper hun dygtigt uhyggelig akavet og opbragte bravado til ulidelig effekt. Fanget mellem barndom og voksenalder, denne rolle synes at være et forsøg på at efterlade sin status som barneskuespiller og beskytte hendes fremtidige karriere som voksen. Det virkede. Åh, og den scene, hvor hun trænger de lokale piger til Pull-A-String? Klassisk.

6. Lille mand Tate

Fosters regiedebut fortæller historien om et vidunderbarn kaldet Fred med ekstraordinære evner, men med ordene fra en af ​​karaktererne, spillet af David Hyde Pierce, 'er det ikke så meget, hvad han ved, men hvad han forstår'. Måske er det grunden til, at Foster identificerede sig med Fred's karakter, hendes eget for tidlige talent, der altid er tempereret af en uhyggelig modenhed.

Ud over at instruere filmen spiller Foster sin almindelige arbejderklasse-mor Dede, der gør hvad hun kan for at beskytte en søn, der har angstdrømme, hvor han er fanget i berømte kunstværker og kastes i stater med eksistentiel frygt af nyhedsoverskrifterne. Rolig og beskedne handler denne film lige så meget om Dedes kamp for at give Fred en normal barndom, som den handler om netop det, der gør ham unormal: hans spirende geni coaxed og kultiveret af en børnepsykolog spillet af Diane Wiest.

Men hvor filmen virkelig lykkes, er det at fange spændingen mellem ex-danser Dedes arbejderklassestatus og den intellektuelle og sjældne verden, hendes søn kommer til at bo i. Dette gøres især tydeligt, når Fred vender tilbage fra sin skole, fyldt med prætentiøse videnskabelige fornærmelser, og bedrager klavermaleriet, som Dede har malet for at have det forkerte antal nøgler. Fosters reaktion formidler den hjerteskærende erkendelse, som alle forældre har på et eller andet tidspunkt. At A) deres søde børn er blevet afskyelige brats og B) jo mere hendes barn udvikler sig, jo længere fra hinanden vil de blive.

Selvfølgelig gør Dede det rigtige og pakker ham sammen med den (underligt dømmende) psykolog, så han kan blive stor, men ikke før hun tager hende til side og advarer: “Hvis der sker noget med ham, slet noget ... Jeg dræber du. Nu mener jeg ikke, at jeg bare vil skade dig. Jeg mener, at jeg dræber dig. ”

5. Alice bor ikke her mere

'Hun ligner en dreng og taler som en mand.' Så løb en kritikers sammenfatning af Jodie Fosters lille, men scenestjæle forestilling som mildt kriminel Audrey i Martin Scorseses Alice bor ikke her mere . Generelt betragtet som hendes første vigtige skærmrolle, markerede det det øjeblik, hun skiftede juvenilia af æblekinnede børns roller i tv-udsendelser og reklamer for stærke piger / kvinder, der ikke har nogen lastbil med at leve op til samfundets forventninger.

Her svirrer hun og smirrer og går under navnet Audrey, fordi hun ikke kan lide hendes fornavn Doris og generelt fungerer som en dårlig indflydelse på den videde Tommy ('Vil du komme højt på Ripple?'). Scenen, hvor hun får Tommy beruset af vin, er spændende lige så meget som det viser, hvor vanskeligt den unge Audrey indtager rummet omkring hende; rastløs, keder sig, akavet, klodset, slå en lampeskærm og pacere i rummet.

Seriøst kan du regne på den ene hånd, hvor mange skildringer af tomboys der er i Hollywoods historie, og dette er helt sikkert en af ​​de største. Det var en forestilling, der markerede hende som en ung skuespiller moden langt ud over hendes år, og selvfølgelig fulgte Scorsese nøje.

4. Panikrum

David Finchers opfølgning på Kampklub så ham have en bold med hvad der kunne have været en temmelig rodet studiothriller. Panik rum følger en for nylig skilt mor og hendes præ-teenagedatter (Kristen Stewart, der tydeligt henter tomboy-fakkelen til en ny generation) på deres første nat i et nyt Manhattan Brownstone. En pude, der tidligere var ejet af en hemmelighedsfuld millionær og kan prale med eget bunker. Lige i køen tvinges tre ubudne gæster (spillet af Forrest Whitaker, Jared Leto og Dwight Yoakam) sig ind på jagt efter en sum penge i en kuffert. En kuffert, der udskilles i panikrummet, som, ah fanden, er nøjagtigt hvor mor og datter har låst sig. Hvad der sker næste er en slags Bagvindue mødes Alene hjemme , med surringer af blåt filter og swooping, CGI kamera teknikker.

Oprindeligt udtænkt med Nicole Kidman, der spillede Meg, trak studiet næsten stikket, da Kidman trak sig ud på grund af skade. Foster trådte ind og lavede filmen til hende. Hun spiller en mor - rig, sandsynligvis sofistikeret, men ulideligt afkølet for sin Sex Pistols-t-shirt iført datter. Hun kan ikke engang sværge rigtigt. Stadig i livsfare og med datterens faldende blodsukkerniveau, der tilføjer et ekstra lagfarlig, skaber Meg Altman en formidabel kamp for husbrydere, hardwiring døde telefoner, brænder propan i ventilationsakslen og generelt modvirker ethvert forsøg kriminelle gør for at løsne dem .

Normalt er kvinder i farebilleder utilgængelige og udbyttende, men Fosters grove tilstedeværelse og forhold til Stewart giver noget mere intelligent og givende. Faktisk var det så godt, at Foster klarede det igen i form af 2005's Flyplan .

3. Den tiltalte

Kategorien for bedste skuespillerinde ved Oscar-uddelingen i 1989 var et platonisk ideal for kategorierne for bedste skuespillerinde. Det er evigt, uforanderligt, kategorien for bedste skuespillerinde, mod hvilken alle kategorier for bedste skuespillerinde vil blive bedømt. Meryl Streep, Melanie Griffith, Sigourney Weaver og selvfølgelig Jodie Foster undskyldte det hele. Det var dog Foster, der gik væk med statuetten for hendes optræden som voldtægtsoffer Sarah Tobias, der kæmpede for et stykke værdighed. Filmens temaer føles lige så vigtige i dag som de gjorde dengang, karakterens hårde fest og ubeklagelige stofbrug svækkede hendes vidnesbyrd. Selv hendes egen advokat (Kelly McGillis) er forsigtig med at sætte hende i kajen og vælger at indgå en aftale med voldtægtsadvokaterne og accepterer at sænke sigtelsen fra voldtægt til hensynsløs fare.

Afgørende er, at Foster spiller Sarah som en rigtig person; hun bliver frygtelig fuld, tager stoffer og flirter med fyre. Hun ved også, at hun var offer for voldtægt og vil gennemleve endnu mere smerte, hvis det betyder, at voldtægterne vil blive stillet for retten. Tidligt i filmen indså hun, at hun bliver nødt til at vende tilbage til baren, hvor det skete for at identificere mændene og et utroskab, så frygter spreder sig over hendes funktioner. Da hun tager endnu en træk på sin cigaret, er den hærdet til beslutsomhed. En mesterklasse i at formidle så meget med den mindste bevægelse.

Når filmen glider ind i retssalens drama med lange tilbageblik og vidnesbyrd om selve voldtægten, bliver det et hårdt ur, og du forventer intet mindre. Imidlertid er det fælles sejrsmoment i slutningen, forseglet med den korteste håndgreb mellem Foster og McGillis, helt magisk.

2. Taxachauffør

Det får dig stadig til at børste, når du ser et faktisk 12-årigt barn portrættere en 12-årig børneprostitueret. Selv eller måske især fordi Jodie Foster spiller hende med sådan en gadehærdet modenhed. Hun var ikke førstevalg for rollen, hvor Linda Blair oprindeligt var med i rollen, inden hun trak sig tilbage. Men efter hendes optræden som Audrey i Scorseses film fra 1974 Alice bor ikke her mere , Kaldte Scorsese opkaldet til Foster.

Taxachauffør er tydeligvis strålende: et mareridtbillede af en dybt beskadiget person, der udsætter sig for byen, 'ludere, skunk fisse, buggere, dronninger, feer, dopere, junkier', der fodrer hans galde (bogstaveligt talt tror han, at han har mave Kræft). Men scenen, hvor Jodie Fosters Iris indvilliger i at gå til morgenmad med den dybt urolige Travis Bickle, hans mentale ar, der finder lindring i et misplaceret frelser-kompleks, fremkalder utroskab ved hans faderlige alvor.

Men på trods af hendes gadesmart, varme bukser og forretningsmæssige tilgang til sit job, se hvordan hun slår syltetøj og sukkeret ned på hendes skål eller bytter sine solbriller med kronebutik midt igennem samtalen, en påmindende påmindelse om det for al hendes holdning (“Gud, du er firkantet”) hun er stadig en ung pige. Et punkt ramte hjem endnu senere, da hun afslører, at hun ikke længere vil arbejde på gaden, og pludselig trækker hendes hærdede ydre sig tilbage og afslører et bange barn. Da hendes hallik samler hende i armene og langsomt danser med hende, giver hans voksenramme mod den mindste af hende et alvorligt uroligt par minutter.

1. Lammernes stilhed

Her er det. Du vidste, at det ville komme, og det er ingen reel overraskelse. Men i sidste ende er det svært at overvurdere, hvor utrolig denne præstation er. Jonathan Demmes thriller er strålende, og jeg kunne skrive en hel afhandling om, hvorfor det er den største film nogensinde. Men det er ikke tid, og du har ikke brug for den Spotify-playliste med Buffalo Bills yndlingssange af The Fall.

Lamens tavshed var en kæmpe kommerciel og kritisk succes, da den blev frigivet i 1990, og tjente 272,7 millioner dollars på verdensplan og opsamlede de store fem ved Oscar-uddelingen. Det vidste du. Du ved også, at Jodie Foster spiller den øverste FBI-studerende Clarice Starling som sin arketypiske tomboy alle voksen. Hun er modstandsdygtig som helvede, 'skræmmer ikke let' og styrer sig mod manges mands fjendtlige blik (i kølvandet i liften, mens hun løber for guds skyld).

Når hun har fået til opgave at afhøre Hannibal Lecter i sin forstærkede glascelle i et højsikkerhedsfængsel, dæmpes Fosters ambition af frygt: mens hun går mod Hopkins, der står opmærksom i sin celle, klæber hendes kæbe sig som om hun holder tilbage frygt for Lecter, ja , men frygt for at mislykkes. Der er et fremragende øjeblik, hvor Foster tillader Starlings nerver at forråde hende, mens hun griner uhyggeligt med den lamme vittighedssegue til grunden til, at hun virkelig er der.

Åbenbarende bruger Demme tætte nærbilleder på Fosters ansigt under Hopkins linjer og fanger hendes reaktioner i ujævn detaljer. Da han demonterer alt om hende, herunder hendes billige sko, rødder, hjemlig baggrund og mest mindeværdigt hendes West Virginia-accent (en af ​​de mest mindeværdige accenter i en film nogensinde), ser du hende fysisk krympe. Faktisk Fosters fysiske ydeevne i Lamens tavshed er bemærkelsesværdig, synligt pustede ud af brystet, når hun henvender sig til et rum fyldt med nedlatende betjente og undertiden synker lige tilbage i de polstrede skuldre på hendes tweedjakke. Hendes sårbarhed forbliver tilsløret, forseglet fra mændene omkring hende for at blive set i flygtige øjeblikke - en tøven, et flimmer af følelser, begyndelsen på en tåre - eller stjålet, som når vi fanger hendes smerte reflekteret i spejlet i efterforskningen værelse.

Naturligvis er det centrale i denne film kemien mellem Foster og Hopkins ('folk vil sige, at vi er forelsket'), og det er ekstraordinært at se. Det er svært at forestille sig nogen anden end Jodie i rollen, der kunne have matchet Hopkins 'egen campy, kraftfulde forestilling, selv når der har været nogen (Julianne Moore, i den gudfrygtige Hannibal ). Afskedigelsen i Buffalo Bills hus er ikke kun forud for et af de største stykker af tværskæring, men er også en af ​​de mest visceralt skræmmende scener i biografen. Og det er inden vi kommer til, hvor forfriskende, for ikke at nævne sjældent, det er at se en kvinde redde en anden kvinde i film. Men selvfølgelig, hvad forventede du? Alt hagl.